ARTIST TALK MIT KAARINA-SIRKKU KURZ & DR. CORA WASCHKE

anlässlich der Ausstellung „Vom Fremdsein in der Welt“ im Haus am Kleistpark · Berlin | 20/7/2023

In Kaarina-Sirkku Kurz’ fotografischer Werkreihe vermittelt sich Einsamkeit als ein existenzielles Gefühl „vom Fremdsein in der Welt“.

Wie bereits in früheren Arbeiten der Fotografin steht dabei das Körperempfinden und der Körper als Ausdrucksmittel innerer Zustände im Interesse ihrer Arbeit. Das Bildmaterial ist dabei äußerst heterogen. Ausgehend von Gesprächen über Einsamkeitserfahrungen, überführt Kurz emotionales und physisches Empfinden in Bilder und selbst angefertigte Objekte, die sie wiederum in distanzierter Ateliermanier ablichtet. Andere Dinge wie vertrocknende Pflanzen und Dekorationsgegenstände stammen aus Haushaltsauflösungen Verstorbener, deren Ableben zunächst unbemerkt blieb. In ihrer isolierten Präsenz im Foto werden sie zu sprechenden Zeichen.

Eine weitere Bildgruppe geht auf die Spurensuche der Künstlerin auf Flohmärkten zurück: alten Schwarzweiß-Aufnahmen entnommene, maskenhafte Gesichter, ein trostloses Einfamilienhaus und zuletzt Bilder von der großen weiten Welt, die so fremd erscheint. Die Ambivalenz der Fotografie und die Ambivalenz im Empfindungshorizont spielen hier zusammen. Staubkörner werden zu Sternen. Ein Meer erscheint als zerberstende Erde. Der Himmel wirkt als abweisende Fläche.

Fremdsein in der Welt, so zeigt es Kurz’ Werk, bedeutet ein verunsichertes Verhältnis vom körperlichen und psychischen Subjekt zur Umwelt. Der Rückzug ist nur die Hülle, erfüllt von Sehnsucht.

Cora Waschke

Die deutsch-finnische Künstlerin Kaarina-Sirkku Kurz lebt in Berlin. Sie studierte Fotografie in Bremen, Lahti und Helsinki. Ihre Arbeiten werden national wie international ausgestellt, publiziert, gesammelt, gefördert und ausgezeichnet. 2021/22 erhielt sie das Foto-Arbeitsstipendium des Haus am Kleistpark.

„Grundlage für die Werke der Ausstellung war eine veröffentlichte Liste gefährdeter Pflanzenarten. Die Bilder entwickelten sich durch einen Prozess des Druckens, Malens, Überlagerns und Überarbeitens und wurden dadurch fast monochrom. Obwohl diese Prozesse die Integrität der ursprünglichen Bilder zerstörten, behalten die botanischen Formen eine spektrale Präsenz. Eine neuere Arbeit markiert den Übergang in eine Art anthropozäne Landschaft, in der alle Spuren des Natürlichen durch die säuregelbe Palette ausgelöscht werden. Zuletzt entstand ein Werk, das völlig frei von Bildern ist und aus synthetisch gefärbtem Stoff besteht, der eine Säule oder ein Monument bildet, was seine Zerbrechlichkeit verrät. Es ist eine Art Zeichen, wie ein Ausrufezeichen oder ein Buchstabe, der das Ende oder den Anfang markiert. Das erinnert an den Titel ‚Ashes to Ashes‘ (Asche zu Asche).“ Sally Lewis

„The works of the exhibition are based on a published list of endangered plant species. The images evolved through a process of printing, painting, layering and reworking, becoming almost monochrome. Although these processes corrupted the integrity of the original images, the botanical forms retain a spectral presence. A newer piece marks a transition into a kind of anthropocene landscape where any traces of the natural are effaced by the acid yellow palette. Most recently, a work was created that is completely drained of imagery and made of synthetically coloured fabric forming a column or monument, which its fragility belies. It’s like a kind of sign, like an exclamation mark or letter, marking the end or beginning. Harks back to the title ‘Ashes to Ashes’.“ Sally Lewis

SALLY LEWIS Born Zimbabwe 1966. She has exhibited internationally including Cubitt Gallery London, KM Galerie Berlin, ‘Super deals’ Brussels, Istanbul Biennale, Collectors room, NY, Curator “Reformer” at Nationalmuseum, Berlin. sallylewis.net · #sallylewis882

OPENING
argent
30/6/23 | 6 – 9 pm
Richard-Sorge-Straße 64
Berlin-Friedrichshain | #argentberlin
+ by appointment | info@corawaschke.de

CATALOG

Folds 
In the picture
In the text
In the mind of the viewer.

Gabriela Volanti (*1969), Berlin. Last exhibitions: Haus der Kunst (2021), Galerie Rüdiger Schöttle (2022), Munich.

Faltungen  
Im Bild 
Im Text 
Im Geist des Betrachters.  

Gabriela Volanti (*1969), Berlin. Letzte Ausstellungen: Haus der Kunst (2021), Galerie Rüdiger Schöttle (2022), München.

Jonas Hofrichter, Georg Juranek, Anna Möller,
Martin Neumaier, Soveig Schmid

Eröffnung: 26.11.2022, 16 – 21 Uhr
Galerie Kai Erdmann, Berlin

„Die Karte ist interessanter als das Gebiet“ postuliert der Künstler Jed Martin zu seinem Werk, das Ausschnitte eines Straßenplans mit den Satellitenaufnahmen selbiger Koordinaten kombiniert. Jed Martin ist der Protagonist von Michel Houellebecqs für den Kunstmarkt wenig schmeichelhaften Roman Karte und Gebiet (2010).

Geschmeidiger lässt der Ausstellungstitel Land&Karte – durch das sowohl verbindende als auch trennende „Und“ – sogleich an die Landkarte wie an das Land auf der einen und die Karte auf der anderen Seite denken. Folgen wir Jed Martin und fragen uns selbst: Was macht das eine oder andere spannender für die Kunst, was ist ihr näher? […]

Pressetext | full press release

“The map is more interesting than the territory” postulates the artist Jed Martin about his work, which combines sections of a street map with the satellite images of the same coordinates. Jed Martin is the protagonist of Michel Houellebecq‘s novel The Map and the Territory (2010), which is not very flattering for the art market.

More smoothly, the exhibition title land & karte (land and map) – through the both connecting and separating “&” – immediately makes us think of the map as well as the land on one side and the map on the other. Let‘s follow Jed Martin and ask ourselves: What makes one or the other more exciting for art? What is closer to it? […]

Alles liegt in der Kunst des Verschwindens. Allerdings muss dieses Verschwinden auch Spuren hinterlassen, muss es der Ort des Erscheinens des Anderen, der Welt, des Gegenstandes sein.
Jean Baudrillard, 1994

Mit der Erfindung der Fotografie tritt eine neue Zeitlichkeit in das Bild und seine Betrachtung. Was wir auf einem Foto sehen, war wirklich da und ist vergangen. Das unterscheidet fotografische von synthetischen Bildern, wie die der Malerei. Die Eigenart des fotografischen Lichtbildes, ein physischer Abdruck des Dargestellten in einem realen Moment zu sein, erkannte bereits William Henry Fox Talbot, einer der Erfinder der Fotografie. „Es ist so gewesen“, konstatiert Roland Barthes ein Foto betrachtend und erschauert, wie Siegfried Kracauer ein halbes Jahrhundert zuvor, über dessen gespenstische Anmutung. Als sichtbare referentielle Evidenz eines Augenblicks pocht die Fotografie auf Wahrheit und Aktualität. Gleichzeitig stößt sie uns auf die Vergänglichkeit des Abgebildeten, zeugen ihre Bilder von Spuren, die in die Vergangenheit führen. […]

Pressetext

Eröffnung 25.11.22 | 18 – 21 Uhr
Galerie Nothelfer, Berlin
26.11.22 – 14.01.22

BEN COTTRELL  | PERSEPHONE

[…] Wo bist du Persephone?
Hier wie auf einen Spiegel gezeichnet,
als durchsichtiges Medium,
auf der Grenze zwischen Diesseits und Jenseits.
Im Schattenreich von Hades, der dich raubte
und zur Königin machte.
Im Sonnenlicht,
für das deine Mutter Demeter dich rettete.
Wir wandelnden Toten,
wohin sehen wir und wer blickt zurück,
wenn wir jetzt dein Bildnis schauen?

CW 2022 Pressetext | full press release

Ausstellungseröffnung / Opening: 9 September 2022, 18 h
Ausstellung / Exhibition: 10 September – 14 November
TOURLOU
Ritterstr. 2
10969 Berlin

argent

art space

21.05. I ein zimmer · sound Matthias Hesselbacher · text Cora Waschke I berlin

CLARA BRÖRMANN
Der archäologische Duktus

Im Gegensatz zur digitalen Kunst ist es das Privileg analoger Kunstwerke aus ähnlichem ‚Stoff‘ gemacht zu sein wie die Menschen. Ihre materielle Oberfläche atmet die gleiche Luft, ist ebenso angreifbar durch physische oder chemische Einflüsse, ihre Erscheinung verändert sich mit dem  wechselhaften Licht und der Bewegung ihres Betrachters. 

Raum und Zeit als eng an die materielle und menschliche Konstitution angebundene Größen finden  sich in Clara Bröermanns Werk auf verschiedenen Ebenen – von der an der Bildoberfläche ablesbaren, prozessualen Arbeitsweise, über die Bildstrukturen und den aus ihnen abgeleiteten Assoziationen bis zur Titelgebung. (…) CW

Pressetext

Eröffnung 14.05., 17–21 Uhr
14.05.–07.09.22
galerie weisser elefant
Auguststraße 21 | 10117 Berlin

THE SOUND & ICON MACHINE

Maria & Neda Ploskow

(…) Hier wie in allen Arbeiten von The Sound & Icon Machine entfalten sich zwischen Musik und Zeichnung, zwischen Rhythmus und Schwarz-Weiß weiterreichende Empfindungs- und Bedeutungsebenen. Sound und Icon fordern sich gegenseitig und den Rezipienten heraus, verweisen aufeinander, heben Verborgenes wechselseitig hervor und sind gerade deswegen geheimnisvoll. Nichts ist festgeschrieben, alles ist fluid. Folgerichtig bleiben die technischen Einrichtungen im Dunkeln. Das Material dieser Kunst sollen sein: Lichtzeichnung, Klang, Raum. Darin taucht der Mensch ein. Mit seinem Körper, mit seinen Sinnen wird er zum Träger und Erzeuger eines flüchtigen wie ewigen Moments. CW   about

(…) Here, as in all works by The Sound & Icon Machine, further levels of perception and meaning unfold between music and drawing, between rhythm and black-and-white. Sound and icon challenge each other and the recipient, refer to each other, mutually emphasize what is hidden and are for this very reason mysterious. Nothing is fixed, everything is fluid. Consequently, the technical facilities remain in the dark. The material of this art should be: light drawing, sound, space. This is what the recipient dives into. With his body, with his senses he becomes the carrier and generator of a fleeting yet eternal moment. CW    about

Wer in diesen Tagen den Pavillon der Volksbühne besucht, betritt einen Tempel, in dem die Kunst scheinbar zum Fetisch erhoben wird. Im Dämmerlicht heben sich dunkle Objekte hervor, die das Interieur einer religiösen Kultstätte nachbilden. Neben Altartisch und Taufbecken zieht ein Gemälde die Aufmerksamkeit auf sich. Mit seinen dunkel abgestuften Quadraten erinnert es an Josef Albers Serie „Hommage to a Square“. Ungeachtet der unterschiedlichen Ansätze – Farbwirkung auf der einen, spiritueller Ursprung auf der anderen – ist ein Verweis auf Malewitsch unvermeidbar, wurde mit seinem „Nullpunkt der Malerei“ doch das Quadrat zur kunsthistorischen Ikone. (…) CW    Pressetext

Eröffnung 28.04.22, 18 Uhr
29.04.–28.05.22
Pavillon Sternschuppen
Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz
Berlin